"Французский классицизм"

В Сергиевском историко-краеведческом музее открыта выставка «Французский классицизм», репродукции картин известных французских художников - Клода Лоррена и Никола Пуссена, предоставленная Международным центром Духовной культуры (г. Самара). Классицизм — художественный стиль и эстетическое направление в европейском искусстве XVII — XIX вв. В начале XVII века для знакомства с наследием античности и Возрождения в Рим стекаются молодые иностранцы. Наиболее видное место среди них занял француз Никола Пуссен, в своих живописных произведениях, преимущественно на темы античной древности и мифологии, создал непревзойдённые образцы геометрически точной композиции и продуманного соотношения цветовых групп. Другой француз, Клод Лоррен, в своих пейзажах окрестностей «вечного города» упорядочивал картины природы путём гармонизации их светом заходящего солнца и введением своеобразных архитектурных кулис.
В выставочном зале представлено более 30 живописных работ Никола Пуссена и Клода Лоррена, благодаря их творчеству, в первой половине ХVII века складывается национальная французская художественная школа.
Уже при жизни получив широкое признание, живопись мастеров повлияла на развитие английского пейзажа следующих ХVIII-ХIХ веков.
Выставка продлится до середины апреля. Ждем всех желающих!
Сергиевский район, Самарская область. Россия.

КЛОД ЛОРРЕН. (Клод Желле) (1600-1682)

Французский художник, выдающийся представитель барокко, мастер классического и романтического пейзажа. Будучи родом, из скромной крестьянской семьи, Лоррен получил весьма поверхностное образование. Молодым он отправился в Рим, где стал помощником декоратора и пейзажиста Агостино Тасси; учился два года в Неаполе у немецкого миниатюриста Готфрида Вальса. Затем он вернулся во Францию, жил в Нанси, но снова уехал в Италию, где вскоре стал известным пейзажистом. В 1634 г. он был принят в Академию Св. Луки. Лоррен работал для римской элиты: для пап Урбана VIII, Александра VII, Климента IX, а также для короля Испании, который заказал художнику сцены из Ветхого и Нового Завета для дворца Буэн Ретиро. Но Лоррен отдавал предпочтение пейзажам с пасторальными сценами, фигурками рыбаков и путешественников и топографическими видами. Его обширное наследие составляют более 250 картин и 1200 рисунков. В 1640-е гг. преобладают библейские и мифологические сцены. Выверенный рисунок и тщательно проработанная композиция картин уводят взгляд зрителя к широким горизонтам, туманным далям, залитым светом, к безбрежным морским просторам. Мастерство перспективы и пространственных решений в идеализированных пейзажах с грандиозной воображаемой архитектурой заставляют зрителя задуматься о бесконечности, неподвластной времени. Живопись Лоррена уже при жизни мастера получила широчайшее признание. Особенно она повлияла на развитие английского пейзажа XVIII-XIX веков.
Клод Лоррен был современником Пуссена. Настоящее имя художника – Клод Желле, а прозвище Лоррен он получил по названию места своего рождения – провинции Лотарингия. Ещё ребёнком он попал в Италию, где и начал обучаться живописи. Большую часть жизни художник провёл в Риме, откуда, иногда ненадолго возвращался на родину.
Лоррен посвятил своё творчество пейзажу, что во Франции XVII в. было редкостью. Его полотна воплощают те же идеи, что и пейзажи Пуссена, но отличаются большей тонкостью колорита и виртуозно построенной перспективой. Лоррена интересовала игра тонов, изображение воздуха и света на холсте.
Художник тяготел к мягкой светотени и ровному рассеянному освещению, позволяющему передать эффект «растворения» очертаний предметов вдали. Фигуры персонажей на переднем плане кажутся почти незаметными по сравнению с эпически величавыми деревьями, горными склонами, морской гладью, на которой нежными бликами играет свет. Именно Лоррена следует считать основоположником традиций французского пейзажа.
Постепенно в живописи классицизма сложился комплекс норм, которые художники должны были соблюдать неукоснительно. Нормы эти были основаны на живописных традициях Пуссена.
Требовалось, чтобы сюжет картины содержал серьёзную духовно-нравственную идею, способную благотворно воздействовать на зрителя. Согласно теории классицизма, такой сюжет можно было найти только в истории, мифологии или библейских текстах. Основными художественными ценностями признавались рисунок и композиция, не допускались резкие цветовые контрасты. Композиция картины делилась на чёткие планы. Во всём, особенно в выборе объёма и пропорций фигур, художнику необходимо было ориентироваться на античных мастеров, прежде всего на древнегреческих скульпторов. Образование художника должно было проходить в стенах академии. Затем он обязательно совершал поездку в Италию, где изучал античность и произведения Рафаэля.
Таким образом, творческие методы превратились в жёсткую систему правил, а процесс работы над картиной – в подражание. Не удивительно, что мастерство живописцев классицизма начало падать, и во второй половине XVII столетия во Франции не было уже ни одного значительно художника.
Лоррен создал вариант величественного классического «идеального» пейзажа; использовал эффекты рассеянного света, тающего в золотистой дымке, стремился запечатлеть различные состояния природы. Библейские, мифологические и пасторальные сюжетные мотивы в картинах Лоррена подчинены созерцательно элегическому настроению, наполняющему природу.

«ПЕЙЗАЖ С ЭНЕЕМ НА ДЕЛОСЕ» КЛОД ЛОРРЕН. 1672.

Выбор персонажей на картине Клода Лоррена (1672) переносит нас в идиллический мир расцвета античной культуры. В основу сюжета легла история, как Эней разыскивал оракула Аполлона на священном острове Делос на пути из Трои. Перед нами царь и жрец Делоса Алий приветствуют Энея, его отца Анхиса и сына Аскания. Аний указывает на оливковое дерево и пальму в центре картины, за которые цеплялась Лето (Латона), рожая близнецов Аполлона и Диану (Артемиду). Храм Аполлона изображен в виде величественного древнего здания Рима — Пантеона. В этом храме оракул предсказал Энею, что его потомки будут править над самыми обширными просторами Земли. Поэтическая композиция этой сцены, в которой уравновешены вертикальные и горизонтальные линии, прозрачный воздух и вид на широкие просторы до далекого горизонта вызывают чувство идиллической безмятежности золотого века.

«ПОГРЕБЕНИЕ СВЯТОЙ СЕРАФИНЫ» КЛОД ЛОРРЕН. 1636-1639.

Смело и удачно решен художником пейзаж «Погребение Святой Серафины». Он посвящен истории христианки Серафины, уроженки Сирии, которая, став рабыней знатной римлянки Сабины, обратила свою госпожу в христианство. Во II веке она была умерщвлена. Погребение Серафины в каменном саркофаге изображено в сумраке переднего плана. В композиции уравновешены две части: справа высится красивый античный храм с ионическими колоннами, на его высокой платформе — стройные фигуры женщин. Слева открывается сияющий простор неба, прозрачные уходящие вглубь дали, где в дымке виден римский Колизей. На дальнем холме примета отнюдь не древнеримской, а современной художнику жизни Вечного города с его заброшенными античными развалинами. «Погребение Святой Серафины» считается лучшей и самой известной из работ Лоррена, хранящихся в Прадо.
На переднем плане мы видим сцену погребения Святой Серафины, в котором участвует Святая Сабина и еще несколько женщин. Действие картины происходит на фоне пленительного пейзажа с античными руинами и римским Колизеем вдали.
Высокое пронзительно голубое небо соседствует с теплым изображением деревьев и руин на первом плане. Задний план, растворяясь, соединяется с небом, и наполняет все полотно воздухом. Картина вызывает у зрителя ощущение глубокого покоя и соразмерности бытия.

«БРАКОСОЧЕТАНИЕ ИСААКА И РЕВЕККИ» КЛОД ЛОРРЕН. 1648.

Исаак. Второй из великих еврейских патриархов. Ревекка — персонаж Пятикнижия, одна из библейских праматерей, жена Исаака и мать братьев-близнецов Исава и Иакова.
Эта картина, известна также под названием «Мельница». Сюжет – библейская история. На самом деле Лоррен наделил эту картину высокой миссией: дать исключительный образ радостной гармонии между человеком и природой.
Гармонией с природой дышит вся картина. Под сенью деревьев приютилась водяная мельница, давшая второе название этой картине. Рядом с мельницей мы видим прачку, стирающую в реке белье.
Слева изображен пастух, ведущий на водопой истомившееся на жаре стадо. В отдалении виднеется древний акведук, пересекающий долину. Лоррену были хорошо знакомы античные акведуки, сохранившиеся в окрестностях Рима.
Позади танцующих помещена скользящая по речной глади рыбацкая лодка, четко отражающаяся в спокойной воде.
На фоне пасторального пейзажа зритель не сразу обнаруживает группу отдыхающих и танцующих людей, всадников, пастуха со стадом. В такой ситуации вряд ли может возникнуть вопрос, кто именно эти люди, чем занимаются, и не содержит ли представленная художником сцена какой-либо «истории», конкретного значения. Прежде всего, мы имеем дело с великолепным пейзажем, который наполняет зрителя ощущением величия и умиротворённости природы.
Хотя почти все полотна Лоррена написаны на библейские или мифологические сюжеты, фигуры людей у него всегда растворяются в просторном пейзаже. Художник написал название картины на стволе поваленного дерева в центре композиции.
Лоррен большую часть жизни провёл в Италии и черпал творческое вдохновение в Римской Кампанье, работая над эскизами на природе и завершая картины в мастерской. Коричнево-золотые тона первого плана перетекают в извилистую дорогу, ведущую к мельнице и далее, к горизонту. Цветовая гамма постепенно высветляется, становится более мягкой, переходя к бледным зеленовато-голубоватым тонам и светящемуся небосводу.

«АВТОПОРТРЕТ» НИКОЛА ПУССЕН. 1650.

Высокий ум и художественное призвание Пуссена (последними его словами была фраза, что он не забыл ничего) изменили всю систему живописной выразительности. Характер Автопортрета, написанного для покровителя Пуссена, Шантелу, напоминает нам, что художественным достоинством излюбленных пуссеновских поз в портрете была их крайняя общая сдержанность. Однако он не ограничивался простотой композиции: на заднем плане портрета, на одном из прислонённых к стене холстов изображена женщина в диадеме с «третьим глазом» (эмблемой зрения) – это персонификация Живописи. Видны также две руки, тянущиеся, чтобы обнять женщину; данная деталь в контексте всей картины должна символизировать любовь к живописи. Другой вариант этого автопортрета, находящийся в Берлине, представляет иной образ Пуссена – с открытой дружеской улыбкой. Его темой является дружба, и исполнено было это полотно для другого мецената, Пуантеля.

«АРКАДСКИЕ ПАСТУХИ» НИКОЛА ПУССЕН. Около 1630.
Самая загадочная картина Пуссена.

В Лувре собраны лучшие художественные произведения, радующие посетителей непревзойденным мастерством. Картина Никола Пуссена «Аркадские пастухи» в течение 20 лет была закрыта от посторонних глаз и только после приобретения музеем (1685 г.) стала его украшением.
Написанное маслом полотно привлекает внимание идиллическим пейзажем, яркими красками, компактной композицией и философской глубиной. В безмятежной стране Аркадии, которая ассоциировалась с Раем, группа людей неожиданно находит надгробие. Около неординарной находки разворачивается действие.
Первый взгляд падает на женщину. Ее статность, красота, безмятежность символизируют спокойную жизнь и гармонию. Характерная одежда ниспадает красивыми складками, отливаясь золотистым цветом на фоне ясного голубого неба. Трое мужчин – олицетворяют три стадии жизни человека: молодость, зрелость и старость.
Именно последнего, мужчину в годах, больше всех заинтересовала надпись на камне. Пастух проводит по ней пальцем, пытаясь понять смысл написанного: «И я в Аркадии». Надпись двойственна по смыслу. «Я» – смерть, которая неминуема или речь об усопшем, нашедшем покой в безмятежной стране?
Пастухи в недоумении, самый молодой из них с непониманием и удивлением смотрит на женщину, сомневаясь, что и он станет прахом. Рука женщины лежит у него на плече, словно успокаивает, хотя взгляд ее обращен на читающего. Привлекает внимание тень, которую отбрасывает его рука. Она похожа на стилизованное изображение смерти, незримо витающую на земле.
Итак, перед нами жизненный цикл, начало которому положено женщиной, а конец – неминуемой смертью. Между двумя событиями проходит жизнь, полная надежд, внутренней силы, ярких красок. Не случайно молодой пастух в красной накидке. Постепенно огонь юности сменяется размеренной зрелостью и более сдержанными цветами. Поистине, водоворот жизни.

"ОХОТА НА КАЛИДОНСКОГО ВЕПРЯ" НИКОЛА ПУССЕН.

Тема охоты на Калидонского вепря, на которую отправляется знаменитый аргонавт Мелеагр и его возлюбленная Аталанта (оба восседают на великолепных белых лошадях), наверняка была воспринята при дворе с энтузиазмом, поскольку король Филипп IV и его семья страстно любили охоту.
Однажды отец Мелеагра забыл принести жертву богине Артемиде (Диане), которая в отместку послала страшного вепря опустошать всю страну. Этот вепрь Артемиды получил в мифах древней Греции наименование калидонского кабана. Отважный Мелеагр решился уничтожить калидонского вепря. Мелеагра сопровождают его друзья-аргонавты: Дриант, Ид, Линсеос, Тесей, Ясон, и другие. Динамика сцены выстраивается от самого спокойного участка возле правого края холста, постепенно нарастая влево, к своре охотничьих собак и их сторожам, и тем самым, указывая туда, где находится посланный Артемидой вепрь, опустошающий землю Калидона, уничтожая людей, скот и посевы.

"ТАНЕЦ ПОД МУЗЫКУ ВРЕМЕНИ" НИКОЛА ПУССЕН. Около 1638 г.

Французский художник Пуссен часто обращался к темам мифологии. В Риме была написана выдающаяся работа с философским названием «Танец под музыку времени». Приблизительное время создания грандиозного полотна – 1638 г. Античные мифы легли в основу картины Никола Пуссена.
Как основатель классицизма, художник отразил новый стиль в данной работе. В картине все красиво, гармонично, совершенно. Фигуры мифических созданий и людей наделены идеальными пропорциями. Окружающая их архитектура прекрасна и изысканна. Природа восхищает утонченностью и естественным великолепием.
В композиционном центре – танцующие в замкнутом круге 4 фигуры. Первая символизирует Бедность – босоногий юноша в темном одеянии. Справа за руку его держит Труд, потом Богатство. Замыкает круговорот танца рыжеволосая девушка с лукавой улыбкой – символ Наслаждения. Такой аллегорический хоровод можно понимать, как вращение колеса Фортуны. Под влиянием мимолетного случая и сложившихся обстоятельств жизни человек получает одно из четырех названных состояний.
Другими фигурами на картине являются два младенца. Один сидит слева, играя с мыльными пузырями. Это еще одно символическое изображение, напоминающее о быстротечности жизни. Справа младенец следит за движением песочных часов, которые держит в руке. Крылатый старец Хронос – воплощение самого Времени. Он играет музыку, под которую танцует хоровод. Статуя с двумя лицами – бог Янус. Молодое лицо устремляет свой взгляд в будущее, вторая голова бородатого старика глядит в противоположную сторону – в прошлое.
На небо живописец поместил мифический объект – колесницу Аполлона. Перед ней летит богиня Аврора и рассыпает цветы.
Пуссен отобразил в «Танце под музыку времени» аллегорию человеческой жизни. Шедевр ныне находится в Лондоне в коллекции Уоллеса.